Baskin è il tuo primo lungometraggio, dopo aver realizzato molti corti. Che tipo di esperienza è stata?

Sono state 28 notti di riprese, nessuna diurna, per lo più in esterni, con l’80% del cast e della troupe che non aveva alcuna esperienza precedente in lungometraggi, allo steso modo complicato e fantastico, con un grande spirito di squadra, sorrisi dappertutto, facendo qualcosa che non era mai stato fatto prima nel paese. Vedo Baskin come una storia sulle fantasie oscure dell’infanzia, le cattive notizie e il destino cieco. È un film molto personale. Probabilmente deriva dalla mia prima infanzia, quando mettevo la testa sul cuscino, le luci si spegnevano e tutto quello che potevo fare fino ad addormentarmi era immaginare storie al buio. Proprio come l’inizio di Baskin con il ragazzino, con i suoi giocattoli accanto al letto…

Come è nato il progetto? Si basa su un tuo cortometraggio, vero?

Sì, il cortometraggio era già una sorta di prova generale per il lungometraggio. E quando ha attirato abbastanza attenzione a festival come Fantastic Fest e Sitges, con un po’ di fortuna, abbiamo finito per trasformare il piccolo incubo in uno più grande. La storia di Baskin si svolge nell’arco di una sola notte. Il cast è composto quasi esclusivamente da uomini. Ci sono solo la donna e la ragazza accanto al fuoco, che fanno parte dei cacciatori di rane. E sembrano essere le prime a dire ai poliziotti, a modo loro, che stanno andando incontro al loro destino. Una volta entrati nell’edificio, i poliziotti si trovano di fronte due macellaie e una setta sessualmente ambigua. Questo elemento di sessualità nel film fa riferimento alla società dominata dagli uomini della terra in cui sono nato e cresciuto. È una dura critica alla cultura machista? Probabilmente sì. Mi piace pensare che sia uno dei sottotesti principali del film.

Hai co-sceneggiato il film. Quanto è stato difficile trasformare la storia di un cortometraggio di 10 minuti in un lungometraggio? Quali sono state le difficoltà principali?

La sceneggiatura del cortometraggio era già simile alla sequenza di un lungometraggio. Ho sempre immaginato che ciò che accade dopo gli eventi del cortometraggio fosse una sorta di rituale di massa folle, in stile “Il tempio maledetto”. Mi sono anche ispirato ai miei sogni d’infanzia e, in particolare, a un incubo che mio padre aveva avuto e che mi aveva raccontato quando ero bambino. All’inizio ho scritto la sceneggiatura solo a pezzi e poi, insieme ai miei co-sceneggiatori, l’abbiamo trasformata in un puzzle narrativo coerente, prendendo spunto da alcuni dei nostri film preferiti.

Qual è stata, invece, la sfida più difficile che hai affrontato sul set?

Ancor prima delle riprese, trovare finanziamenti per un film horror turco vietato ai minori di 18 anni, che inizia con un ritmo lento e molti dialoghi per poi trasformarsi in un film splatter, è stata una grande sfida. Convincere artisti e attori di talento a partecipare a questo progetto dal budget minimo è stata un’impresa ardua. Con l’80% del cast e della troupe senza alcuna esperienza precedente in lungometraggi, ogni giorno sul set era una nuova sfida. Avere attori nudi ricoperti di sangue finto… gli effetti gore di make-up che non avevamo mai sperimentato prima… avere tempo e budget limitati per girare tutto ciò che volevo… ottenere la performance che abbiamo ottenuto dal nostro unico cattivo non attore, che interpretava Il Padre… E in generale, far credere a tutti sul set nel nostro folle film è stata una sfida.

Nonostante la pochissima esperienza, la recitazione è molto buona. Come hai scelto Mehmet Cerrahoglu e il resto del cast? E chi ti ha colpito di più?

Grazie. Ho contattato personalmente tutti gli attori uno per uno e ho cercato di far loro capire come immaginavo questo film. È stata dura perché in Turchia i film horror sono considerati di basso valore produttivo e privi di valore artistico. Ovviamente, non potevamo pagare molto il cast. E gli attori di talento erano per lo più impegnati in altri progetti televisivi. Quindi mi ci è voluto molto tempo per trovare le persone giuste. Sono stato molto fortunato a riuscire a mettere insieme questo cast. Il cattivo, Mehmet Cerrahoglu, ha una storia tutta sua. Nel film non ha indossato alcun trucco plastico. Due diversi medici nel nord della Turchia stanno ancora cercando di ottenere il brevetto per la sua condizione medica molto rara, che si dice sia 1 su 30 milioni. Soprannominato “Spaceman” nel suo quartiere, Mehmet Cerrahoglu è a dir poco un ragazzo straordinario. Ha 40 anni. È un addetto al parcheggio. Ha tre figli. Ho corso un grosso rischio scegliendolo come cattivo principale del film. Non aveva alcuna esperienza di recitazione. Ma nella sua anima c’è un vero artista ingenuo. Quando gli ho mandato la sceneggiatura, mi ha risposto con dei dipinti di alcune scene. Sono rimasto sbalordito. I suoi dipinti erano come quelli di un bambino di 10 anni dotato di talento. Ma il modo in cui ha usato la cornice, le diverse tonalità di viola nel cielo notturno e la sua attenzione ai dettagli mi hanno affascinato. Gli ho dato i DVD di Hellraiser, Apocalypse Now, The Descent e molti altri film e dai suoi commenti traspariva chiaramente che aveva compreso perfettamente l’anima di questi film. Alla fine abbiamo costruito il suo personaggio, il Padre, come una combinazione di Pinhead e del colonnello Kurtz.

Sei soddisfatto degli effetti speciali di trucco e le scene violente?

Sì. Nascondersi dietro l’estetica anni Ottanta era un piano di riserva nel caso in cui alcuni effetti non avessero funzionato. Ma credo che gli effetti abbiano funzionato in modo folle e bellissimo. Potevamo permetterci solo 4/5 effetti gore. Abbiamo improvvisato molto e cercato di sfruttare al massimo ciò che avevamo a disposizione, utilizzando lo stesso oggetto di scena per due effetti diversi e cose del genere.

Hai creato tu il design dei “demoni”?

Il merito principale per l’aspetto del film va alla mia scenografa Sila Karakaya e al co-sceneggiatore e concept designer Cem Ozuru. Si tratta fondamentalmente di ciò che Sila, Cem e io abbiamo sperimentato nel cortometraggio con tutto ciò che siamo riusciti a trovare con il budget quasi inesistente a nostra disposizione, e abbiamo poi ampliato quel concetto nel lungometraggio. Le principali fonti di ispirazione per il culto del Padre sono state The Descent e Frontiers.

Le location, l’aspetto visivo, l’atmosfera e alcune sequenze ricordano i grandi film horror degli anni Ottanta e le storie di Clive Barker. Da dove hai tratto ispirazione?

L’aspetto visivo di Baskin è qualcosa che abbiamo sperimentato con il mio direttore della fotografia e lo scenografo nel cortometraggio precedente. La nostra principale fonte di ispirazione sono stati i film horror francesi dell’ultimo decennio. Ma oltre a questo, volevo uno stile più stilizzato, colorato e onirico, come in Solo Dio perdona e nei film di John Carpenter degli anni Ottanta. Doveva avere un tocco surreale. La questione di quanto sarebbe stato cupo il film è stata una grande sfida per noi. Soprattutto per il nostro straordinario direttore della fotografia Alp Korfali, al suo primo lungometraggio. Volevamo che fosse elegante, surreale, ma anche cupo e realistico. Alp ha fatto delle prove con 3 diverse telecamere e ha deciso che Alexa Amira era la più facile da usare. Dava risultati migliori nelle condizioni di luce di cui avevamo bisogno. Il nostro più grande vantaggio era che la persona più esperta dell’intero set era il nostro capo elettricista, Feramuz Tuna. Era come il fratello maggiore del gruppo. Una volta che hanno trovato subito un’intesa con Alp, tutto ha funzionato alla perfezione (non che non abbiamo avuto molte discussioni sulla luce durante le riprese, e abbiamo girato parecchie scene con luci diverse). Sono cresciuto con l’amore dei miei genitori per l’arte rinascimentale oscura. Potrei parlare a lungo del mio amore per i film horror degli anni Ottanta, i film Hammer e di fantascienza degli anni Cinquanta, Lovecraft, Barker, i nuovi film horror francesi estremi degli ultimi 10 anni, le atmosfere oscure di film straordinari come Calvaire, Vinyan e Solo Dio perdona, film dark per bambini come Krull e Dark Crystal, Conan di Frank Frazetta, tutti i videogiochi a cui ho giocato negli anni Novanta, Phantasmagoria, Darkseed, Sanitarium, Doom e le copertine degli album dei Manowar e degli Iron Maiden. Ma mi piace pensare che le mie ispirazioni provengano da una fonte più ampia: gli orrori della vita reale, l’arte moderna, la pop art e le fiabe combinate insieme.

Qual è stata la scena più difficile da girare?

A volte i nostri permessi erano incerti, quindi eravamo sempre stressati dal fatto che qualche funzionario potesse scoprire cosa diavolo stessimo facendo in alcuni luoghi assurdi. Avevamo persone nude sul set in alcune delle zone più conservatrici della città. Era uno stress costante. Anche i limiti di tempo per alcune scene hanno reso tutto molto difficile. E quella singola ripresa subacquea ci è costata quasi mezza giornata (notte) di riprese.

La versione finale del film è la stessa di quella iniziale o avete dovuto modificare alcuni aspetti durante la produzione?

Il nucleo è lo stesso. Ma abbiamo sperimentato e improvvisato molto. Faceva parte del piano.

Com’era l’atmosfera sul set?

Sebbene fosse pieno di difficoltà e facesse molto freddo, nel complesso è stato un set incredibilmente divertente. Purtroppo in Turchia il cinema di genere è inesistente. Quindi la nostra troupe a volte era completamente persa e non riusciva a capire davvero cosa stessimo facendo. In seguito, diversi membri della troupe mi hanno raccontato che nei primi due giorni tutti si chiedevano: “Ma che diavolo stiamo facendo qui? Che film è questo?”. Ma ricordo chiaramente che il terzo giorno di riprese, il nostro addetto al catering (lo chiamavamo lo specialista del tè) è venuto da me. Lavorava nel settore da anni e anni e mi ha detto che sentiva che questo sarebbe stato il progetto più unico a cui avesse mai lavorato e che pregava ogni mattina per noi. È stato un momento importante per me.